肯尼·沙尔夫：美国涂鸦艺术代表人物，超越精英主义的卡通迷
提起80年代的纽约，两位艺术家的名字已经成为那个时代纽约市中心的视觉标志——让·米歇尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）和凯斯·哈林（Keith Haring）。他们的作品不是连连打破拍卖纪录就是家喻户晓并被服装品牌印在T恤上。然而大众常常忘记了他们二人的老朋友肯尼·沙尔夫（Kenny Scharf）。如果说巴斯奎特的标志性符号是王冠，哈林的是婴儿，那么沙尔夫的就是色彩跳脱的不明生物。
这位艺术家的中国首次个展“地球”（Earth），9月3日至10月9日在阿尔敏·莱希上海展出，这也是该画廊与艺术家的第三次个展合作。
在圣巴巴拉上了一年大学后，沙尔夫在艺术史课上爱上了安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的作品，他搬到了纽约曼哈顿，认为这里的环境更有利于开始艺术生涯。1978年，20岁的沙尔夫来到纽约视觉艺术学院，在那里的第一周就遇到了凯斯·哈林和让·米歇尔·巴斯奎特。“我在大厅里徘徊，想知道什么时候能遇到让我兴奋的艺术家伙伴，这时我听到走廊里响起了大声的退化乐队（Devo）的音乐，就跟着音乐走去。我来到一个房间，看到角落里的凯斯，他在随着音乐的节拍，用黑色墨水在白墙、地板和天花板上画画，这时我知道我已经找到了一个伟大的朋友和艺术家。”沙尔夫说道。同一周，他在食堂里和巴斯奎特偶遇，巴斯奎特让沙尔夫向他展示自己的作品集。然后巴斯奎特告诉沙尔夫：“你会成名。”沙尔夫被这句话吓了一跳，后来他们就一起在街上闲逛，在墙上写字涂鸦。肯尼·沙尔夫（左）与安迪·沃霍尔（中）和凯斯·哈林（右）80年代是世界经济迅速增长的年代，艺术界也迎来了多样性的迸发，可以说，有色人种和未被大众认可的酷儿艺术家重新定义了那个年代的艺术，他们在挑战传统美术馆和精英艺术，推动艺术的边界。位于纽约曼哈顿的东村是当时的先锋艺术聚集地，它经历了极具包容性和实验精神的时期，对各种艺术形式敞开怀抱：朋克音乐、亚文化杂志、涂鸦和街头艺术、新表现主义艺术等等，沙尔夫的艺术生涯也在搬去纽约后正式开始了。东村的包容性给了沙尔夫无尽的灵感。70年代末80年代初的东村方圆10个街区，许多年轻艺术家搬到这里来实现他们的艺术梦想。当时租金很便宜，艺术家们开始用各种方式创作，包括音乐、舞蹈、时尚和绘画。边界是模糊的，艺术家们可以参与所有表达方式，甚至将它们结合起来。他们总是会在街上遇到对方，并且加入这些艺术家正在进行的创作中。沙尔夫在东村的生活充满随机性，永远不知道接下来会发生什么，会在哪里结束这一天，会在哪一天学到些什么。
肯尼·沙尔夫与他的街头涂鸦虽然沙尔夫的作品与巴斯奎特和凯斯·哈林一样，有很多街头艺术元素，但是沙尔夫的作品更多受到动画的启发，例如《摩登原始人》（The Flintstones Season，1960）、《杰森一家》（The Jetsons，1962）等。沙尔夫认为自己的工作有一个非常重要的原则，就是要超越艺术的精英界限，通过艺术与大众文化联系起来。对动画片和电视的迷恋一直影响着沙尔夫的作品，他的创作风格和形式非常多变，作品中也出现过很多写实的对象，做过装置，甚至还出品了一档动画片，他将这种跳跃性比作看电视换频道。《杰森一家》的内容与沙尔夫自己在洛杉矶的成长经历有一些共同之处，他对城市的中产阶级生活感到不满，所以选择离开这一切来到纽约。然而到了80年代末，市中心的场景也越来越商业化，当巴斯奎特和哈林开始在远远超出东村的国际艺术界大放异彩，成为当时炙手可热的艺术家时，沙夫承认，"这对我来说很艰难"。但好在同伴的巨大成就没有影响沙尔夫对自己理念的坚持，他说自己并不是很关注市场趋势：“我已经以一个艺术家的身份工作40年了，我见证过很多趋势来了又去，但我一种坚持自己的艺术创作方式，无论趋势如何。”高峰过后，但见急流勇退。东区在80年代初成为了世界先锋艺术的中心，但这个地区的固有问题——毒品、酗酒和犯罪，让这片地区和它所孕育的艺术快速走向衰落。1987年在安迪·沃霍尔去世后，巴斯奎特和哈林也在接下来的几年中相继去世了。这一连串死亡事件让沙尔夫有一种幸存者的负罪感，他说：“我当时觉得我没有和其他人一起死是一种惩罚。”那个年代的东村是里根时期的美国缩影：金钱、欲望、毒品与艾滋病交织在一起。现实像安迪·沃霍尔的作品一样，失去了历史叙事，没有给观众留下任何遐想的空间，消费欲望冉冉升起，但却给那个年代铺上焦虑和悲观的底色。美国策展人兼批评家卡罗·麦科米克（Carlo McCormick）认为这一代人被承诺有一个美好的未来，现代科技将实现更好的生活，就像《杰森一家》那样在太空中飞行......而现实恰恰相反，他们是没有未来的朋克一代。美国批判家詹明信（Frederic Jameson）在《晚期资本主义的文化逻辑》一书很好地提炼了那个年代的特性：“岁月将尽，历史却未见前景。我们固然缺乏一种大难临头的末日情怀，也未曾寄希望于神迹，产生任何对新纪元的无端憧憬。面向未来，我们无法产生任何未来感，却沉迷于讨论思想的完结和主义的消逝。”沙尔夫在“57号俱乐部：1978-1983的东村电影、表演与艺术”展出的作品《太空衣柜》，2017年图片来源：MoMA近年来沙尔夫的作品开始在例如惠特尼美术馆、MoMA等大型美术馆展出，可以看到，今天的艺术界似乎正在开始接受沙尔夫的艺术理念的严肃性，即使这个接受的速度对他来说有点缓慢。从创作内容来看，他最近的创作主题常常围绕气候变化和环境污染。肯尼·沙尔夫《至》 2021年，182.9x152.4cm 亚麻布面油画、丙烯、丝网印刷油墨、粉末涂料“就个人而言我的生活很好。我很健康，我有孙子，有家，有花园，有事业，”这位艺术家在接受Galerie杂志的采访时说。“但我晚上不睡觉，因为我对这个世界感到担忧”，他指出，他的作品中一直有一股暗流，包括对即将到来的环境灾难的可怕预测。“我的作品也许在很多人看来并不是这样，因为他们专注于乐趣，这很好，”沙尔夫说。“但70年代提出的塑料和石油对环境的影响的警告正在变成现实，而且我们仍然没有任何行动。” 沙尔夫的目标是创造不仅是创造多彩的，有趣的，与玩具和玩耍有关的想象，而且让人们关注全球面临的巨大问题，引发人们对环境保护的思考和行动。肯尼·沙尔夫《化树》 2021年，149.9x127cm 亚麻布面油画、丙烯、丝网印刷油墨、粉末涂料
沙尔夫的作品里那些看似动画片中的不明生物、夸张的脸和明艳跳脱的色彩组成了一个梦境般的迷幻世界，让静止的画面给观众强烈的运动感。这些画作富有层次，艺术家通常先从背景开始创作，然后用丝网印刷、喷漆和油画来构建深度和层次。他将自己的作品归为波普超现实主义，这是艺术家自创的将波普艺术与超现实主义结合的表现形式，他本人这样解释：“波普艺术的存在方式是将商业文化中的流行图像孤立起来，并以一种不同的方式来美化它们，使一切成为艺术。超现实主义是从无意识和梦境的深处提取图像。波普超现实主义是这两者的结合，承认潜意识中的图像被流行文化所淹没。”肯尼·沙尔夫《花卉》 2021年，76.2x76.2cm 亚麻布面油画、丙烯、丝网印刷油墨、粉末涂料这是沙尔夫第一次在中国办个展，他的部分作品中出现了汉字元素，这些黑色印刷体汉字一簇簇堆叠在一起——二氧化碳排放、发泡胶、全球暖化、石油依赖和温度上升，成为背景的一部分，由此可以看出艺术家对环境问题的关注。沙尔夫多年来一直在作品中使用除英语以外的语言文字，他说这次使用汉字并不是仅仅为了视觉上的吸引力，还是因为这些文字所代表的内容和语境。
